Амерыканскія мастакі. 7 майстроў, якія здзівілі свет

Амерыканскія мастакі вельмі разнамасныя. Хтосьці быў відавочным касмапалітам, як Сарджэнт. Па паходжанні амерыканец, але амаль усё свядомае жыццё які пражыў у Лондане і Парыжы.

Ёсць сярод іх і аўтэнтычныя амерыканцы, якія адлюстроўвалі жыццё толькі сваіх суайчыннікаў, як Роквел.

А ёсць і зусім мастакі не ад гэтага свету, як Поллак. Або тыя, чыё мастацтва стала прадуктам грамадства спажывання. Гэта, вядома, пра Уорхала.

Тым не менш, усе яны амерыканцы. Свабодалюбівыя, дзёрзкія, яркія. Аб сямі з іх чытайце ніжэй.

1. Джэймс Уістлер (1834-1903 гг.)

Уістлера складана назваць сапраўдным амерыканцам. Пасталеўшы, ён жыў у Еўропе. А дзяцінства і зусім правёў... у Расіі. Яго бацька будаваў чыгунку ў Пецярбургу.

Менавіта там хлопчык Джэймс і пакахаў мастацтва, наведваючы Эрмітаж і Петергоф дзякуючы бацькоўскім сувязям (тады яшчэ гэта былі зачыненыя для публікі палацы).

Чым знакаміты Уістлер? У якім бы стылі ён ні пісаў, ад рэалізму да таналізму*, яго амаль адразу можна пазнаць па дзвюх прыкметах. Незвычайныя колеры і музычныя назвы.

Частка яго партрэтаў - гэта перайманне старым майстрам. Як, напрыклад, яго знакаміты партрэт "Маці мастака".

Мастак стварыў дзіўную працу, выкарыстоўваючы колеры ад светла-шэрага да цёмна-шэрага. І крыху жоўтага.

Але гэта не значыць, што Уістлер любіў такія колеры. Ён быў чалавекам неардынарным. Лёгка мог з'явіцца ў грамадстве ў жоўтых шкарпэтках і з яркім парасонам. І гэта тады, калі мужчыны апраналіся выключна ў чорнае і шэрае.

Ёсць у яго і значна больш светлыя працы, чым "Маці". Напрыклад, "Сімфонія ў белым". Так карціну назваў адзін з журналістаў на выставе. Уістлеру гэтая ідэя спадабалася. З таго часу амаль усе свае працы ён называў па-музычнаму.

Але тады, у 1862 годзе, "Сімфонія" публіцы не спадабалася. Ізноў жа з-за своеасаблівых каляровых рашэнняў Уістлера. Людзям падавалася дзіўным пісаць жанчыну ў белым на белым фоне.

На карціне мы бачым рудавалосую палюбоўніцу Уістлера. Цалкам у духу прэрафаэлітаў. Бо тады мастак сябраваў з адным з галоўных пачынальнікаў прэрафаэлізму, Габрыэлем Россетти. Прыгажуня, лілеі, незвычайныя элементы (шкура ваўка). Усё як належыць.

Але Уістлер хутка адышоў ад прэрафаэлізму. Бо яму была важная не вонкавая прыгажосць, а настрой і эмоцыі. І ён стварыў новы напрамак - таналізм.

Яго пейзажы-накцюрныя ў стылі таналізму і сапраўды падобныя на музыку. Манахромныя, цягучыя.

Сам Уістлер казаў, што музычныя назвы дапамагаюць факусавацца на самім жывапісе, лініях і колеры. Пры гэтым не думаючы аб месцы і людзях, якія намаляваны.

Таналізм, як і блізкі яму імпрэсіянізм, у сярэдзіне 19 стагоддзя публіку таксама не ўражваў. Занадта далёка ад папулярнага на той момант рэалізму.

Але Уістлер паспее дачакацца прызнання. Пад канец жыцця яго працы пачнуць ахвотна набываць.

2. Мэры Касат (1844-1926 гг.)

Мэры Касат нарадзілася ў багатай сям'і. Яна магла бесклапотна пражыць усё жыццё. Выйсці замуж і нарадзіць дзяцей. Але яна выбрала іншы шлях. Даўшы сабе зарок бясшлюбнасці дзеля заняткаў жывапісам.

Яна сябравала з Эдгарам Дэга. Патрапіўшы ў сераду імпрэсіяністаў, назаўжды захапілася гэтым напрамкам. І яе «Дзяўчынка ў сінім крэсле» – першая імпрэсіянісцкая праца, якую ўбачыла публіка.

Але карціна асабліва нікому не спадабалася. У 19 стагоддзі дзяцей малявалі ў выглядзе паслухмяна якія сядзяць анёлкаў, з накручанымі валасам і ружовымі шчочкамі. А тут дзіця, якому відавочна сумна, сядзіць у занадта нязмушанай позе.

Але менавіта Мэры Касат, якая ніколі не мела сваіх дзяцей, ці ледзь не першай пачала іх маляваць натуральнымі, якія яны ёсць.

Для таго часу ў Касат быў сур'ёзны "недахоп". Яна была жанчынай. Яна не магла дазволіць сабе пайсці адной у парк пісаць з натуры. Тым больш пайсці ў кавярню, дзе збіраліся іншыя мастакі. Спрэс мужчыны! Што ёй заставалася?

Пісаць манатонныя жаночыя чаяванні ў гасціных з мармуровымі камінамі і дарагімі чайнымі сервізамі. Жыццё размераная і бясконца сумная.

Мэры Касат так і не дачакалася прызнання. Спачатку яе адкідалі за яе імпрэсіянізм і нібыта няскончанасць карцін. Потым, ужо ў 20 стагоддзі, яна рэзка «састарэла», бо ў модзе быў ар-нуво (Клімт) і фавізм (Маціса).

Але яна засталася верная свайму стылю да канца. Імпрэсіянізм. Мяккая пастэль. Маці з дзецьмі.

Дзеля жывапісу Касат адмовілася ад мацярынства. Але яе жаночы пачатак усё гушчару выяўлялася менавіта ў такіх далікатных працах, як «Спячае дзіця». Шкада, што кансерватыўнае грамадства паставіла яе некалі перад такім выбарам.

3. Джон Сарджэнт (1856-1925 гг.)

Джон Сарджэнт быў упэўнены, што ўсё жыццё будзе партрэтыстам. Кар'ера складалася ўдала. Арыстакраты выстройваліся ў чаргу, каб зрабіць яму замову.

Але аднойчы мастак па меркаванні грамадства перасягнуў рысу. Нам зараз складана зразумець, што ж такога недапушчальнага ў карціне "Мадам Ікс".

Праўда ў першапачатковай версіі ў гераіні была апушчана адна з шлеек. Сарджэнт яе "падняў", але гэта справе не дапамагло. Заказы сышлі на нішто.

Што ж непрыстойнага ўбачыла публіка? А тое, што Сарджэнт адлюстраваў мадэль у занадта самаўпэўненай позе. Ды яшчэ напаўпразрыстая скура і ружовае вушка вельмі красамоўныя.

Карціна як бы кажа, што гэтая жанчына з падвышанай сэксуальнасцю не прочкі прымаць заляцанні іншых мужчын. Прытым будучы замужам.

Нажаль, за гэтым скандалам сучаснікі не разглядзелі шэдэўра. Цёмная сукенка, светлая скура, дынамічная пастава - простае спалучэнне, якое дадзена знайсці толькі самым таленавітым майстрам.

Але няма ліха без дабра. Сарджэнт атрымаў наўзамен свабоду. Пачаў больш эксперыментаваць з імпрэсіянізмам. Пісаць дзяцей у непасрэдных сітуацыях. Так з'явілася праца «Гваздзік, лілея, лілея, ружа».

Сарджэнт хацеў злавіць пэўны момант змяркання. Таму працаваў толькі 2 хвіліны ў дзень, калі асвятленне было прыдатным. Працаваў улетку і ўвосень. А калі кветкі завялі, замяніў іх штучнымі.

У апошнія дзесяцігоддзі Сарджэнт так увайшоў у смак свабоды, што і зусім пачаў адмаўляцца ад партрэтаў. Хаця рэпутацыя яго ўжо аднавілася. Адну кліентку ён нават груба адшыў, сказаўшы, што з вялікім задавальненнем напіша яе брамку, чым яе твар.

Сучаснікі ставіліся да Сарджэнта з іроніяй. Лічачы яго састарэлым у век мадэрнізму. Але час расставіла ўсё па сваіх месцах.

Цяпер яго працы каштуюць не менш, чым працы самых славутых мадэрністаў. Ну а ўжо пра каханне публікі і казаць няма чаго. На выставах з яго работамі заўсёды аншлаг.

4. Норман Роквел (1894-1978 гг.)

Складана ўявіць больш папулярнага мастака пры жыцці, чым Норман Роквел. Некалькі пакаленняў амерыканцаў вырасла на яго ілюстрацыях. Кахаючы іх усёй душой.

Бо Роквел адлюстроўваў звычайных амерыканцаў. Але пры гэтым паказваючы іх жыцці з самага пазітыўнага боку. Роквел не хацеў паказваць ні злых бацькоў, ні абыякавых маці. Ды і няшчасных дзяцей вы ў яго не сустрэнеце.

Яго працы поўныя гумару, сакавітых кветак і вельмі ўмела схопленых з жыцця выразаў асоб.

Але гэта ілюзія, што працы даваліся Роквелу лёгка. Каб стварыць адну карціну, ён мог спачатку зрабіць да сотні фатаграфій са сваімі мадэлямі, каб улавіць дакладныя жэсты.

Работы Роквела аказвалі каласальны ўплыў на розумы мільёнаў амерыканцаў. Бо ён часта выказваўся з дапамогай сваіх карцін.

У час Другой Сусветнай вайны ён вырашыў паказаць, за што змагаюцца салдаты яго краіны. Стварыўшы ў тым ліку карціну "Свабода ад патрэбы". У выглядзе дня падзякі, на якой усе члены сям'і, сытыя і задаволеныя, радуюцца сямейнаму святу.

Праз 50 гадоў працы ў Saturday Evening Post Роквел сышоў у больш дэмакратычны часопіс "Look", дзе змог выказваць свае пазіцыі аб сацыяльных праблемах.

Самая яркая праца тых гадоў - "Праблема, з якой мы жывем".

Гэта рэальная гісторыя чарнаскурай дзяўчынкі, якая пайшла ў школу для белых. Бо быў прыняты закон аб тым, што людзі (а значыць і навучальныя ўстановы) больш не павінны падзяляцца па расавай прыкмеце.

Але гневу абывацеляў не была мяжы. Па дарозе ў школу дзяўчынку ахоўвала паліцыя. Вось такі "руцінны" момант і паказаў Роквел.

Калі жадаеце пазнаць жыццё амерыканцаў трохі ва ўпрыгожаным святле (які яны самі жадалі яе бачыць), абавязкова гледзіце карціны Роквела.

Мабыць, з усіх прадстаўленых у гэтым артыкуле жывапісцаў, Роквелл – самы што ні на ёсць амерыканскі мастак.

5. Эндру Уайет (1917-2009 гг.)

У адрозненне ад Роквела, Уайет не быў такі пазітыўны. Пустэльнік па характары, ён не імкнуўся нічога перабольшваць. Наадварот, адлюстроўваў самыя звычайныя краявіды і нічым не характэрныя рэчы. Проста пшанічнае поле, проста драўляны дом. Але прымудраўся нават у іх падглядзець нешта магічнае.

Самая вядомая яго праца - "Свет Крысціны". Уайет паказаў лёс адной жанчыны, сваёй суседкі. Будучы паралізаванай з дзяцінства, яна перасоўвалася па наваколлях вакол сваёй фермы паўзком.

Так што нічога рамантычнага ў гэтай карціне няма, як можа падацца спачатку. Калі прыгледзецца, то ў жанчыны хваравіты худзізна. А ведаючы, што ў гераіні паралізаваны ногі, разумееш з сумам, наколькі ёй яшчэ далёка да хаты.

На першы погляд Уайет пісаў самае штодзённае. Вось старое акно старой хаты. Старая фіранка, якая ўжо пачала ператварацца ў шматкі. За акном цямнее лес.

Але ва ўсім гэтым нейкая загадкавасць. Нейкі іншы погляд.

Так дзеці ўмеюць глядзець на свет незашораным позіркам. Так глядзіць і Уайет. І мы разам з ім.

Усімі справамі Уайета займалася яго жонка. Яна была добры арганізатар. Менавіта яна кантактавала з музеямі і калекцыянерамі.

Рамантыкі ў іх адносінах было мала. Муза павінна была з'явіцца. І ёй стала простая, але з неардынарнай знешнасцю Хельга. Менавіта яе мы сустракаем на шматлікіх працах.

Здавалася б, мы бачым усяго толькі фатаграфічны малюнак жанчыны. Але чамусьці ад яе цяжка адарвацца. Занадта складаны ў яе погляд, напружаныя плечы. Мы як бы разам з ёй унутрана напружваемся. Моцна знайсці тлумачэнне гэтай напругі.

Малюючы рэчаіснасць ва ўсіх дэталях, Уайет чароўнай выявай надзяляў яе эмоцыямі, якія не могуць пакінуць абыякавымі.

Мастака доўга не прызнавалі. Са сваім рэалізмам, няхай і магічным, ён ніяк не ўпісваўся ў мадэрнісцкія трэнды 20 стагоддзя.

Калі музейшчыкі куплялі яго працы, то стараліся рабіць гэта ціха, не прыцягваючы ўвагі. Выставы яго арганізоўвалі рэдка. Але на зайздрасць мадэрністам яны заўсёды мелі аглушальны поспех. Людзі прыходзілі натоўпамі. І да гэтага часу прыходзяць.

Пра мастака чытайце таксама з артыкула «Свет Крысціны. Галоўны шэдэўр Эндру Уайета».

6. Джэксан Полак (1912-1956 гг.)

Джэксана Полака немагчыма абысці бокам. Ён перайшоў пэўную рысу ў мастацтве, пасля чаго жывапіс не мог быць ранейшым. Ён паказаў, што ў мастацтве ўвогуле можна абысціся без межаў. Калі паклаў палатно на падлогу і запырскала яго фарбай.

А пачаў гэты амерыканскі мастак з абстракцыянізму, у якім усё ж прасочвалася фігуратыўнае. У яго працы 40-х гадоў «Стэнаграфічная фігура» мы бачым абрысы і асобы, і рук. І нават зразумелыя нам знакі ў выглядзе крыжыкаў і нулікаў.

Яго працы хвалілі, але купляць не спяшаліся. Ён быў бедны, як царкоўная мыш. І бязбожна піў. Нягледзячы на ​​шчаслівы шлюб. Яго жонка схілялася перад яго талентам і рабіла ўсё для поспеху мужа.

Але Полак першапачаткова быў асобай надламанай. З самага юнацтва па яго ўчынках было зразумела, што ранняя смерць - яго доля.

Гэтая надламанасць у выніку і прывядзе яго да смерці ў 44 гады. Але ён паспее здзейсніць рэвалюцыю ў мастацтве і праславіцца.

А атрымалася ў яго гэта ў перыяд двухгадовай цвярозасці. Ён змог плённа працаваць у 1950—1952 гадах. Ён доўга эксперыментаваў, пакуль не прыйшоў да кропельнай тэхнікі.

Раскладваючы велізарнае палатно на падлозе сваёй адрыны, ён хадзіў вакол яго, знаходзячыся як бы ў самой карціне. І распырскваў ці проста ліў фарбу.

Гэтыя незвычайныя карціны ў яго пачалі ахвотна набываць за неверагодную арыгінальнасць і навізну.

Полак быў аглушаны славай і праваліўся ў дэпрэсію, не разумеючы, куды яму рухацца далей. Смяротная сумесь алкаголю і дэпрэсіі не пакінула яму шанцаў на выжыванне. Аднойчы ён сеў за руль моцна п'яным. У апошні раз.

7. Эндзі Уорхал (1928-1987 гг.)

Толькі ў краіне з такім культам спажывання, як у Амерыцы, мог нарадзіцца поп-арт. І галоўным яго пачынальнікам быў, вядома, Эндзі Уорхал.

Праславіўся ён тым, што браў самыя штодзённыя рэчы і ператвараў іх у твор мастацтва. Так здарылася з слоікам супу Кэмпбэл.

Выбар быў не выпадковы. Маці Уорхала карміла сына кожны дзень такім супам больш за 20 гадоў. Нават калі ён пераехаў у Нью-Ёрк і ўзяў сваю маці з сабой.

Пасля гэтага эксперыменту Уорхол захапіўся трафарэтнай пячаткай. З тых часоў ён браў выявы поп-зорак і размалёўваў іх у розныя колеры.

Так з'явілася яго знакамітая размаляваная Мэрылін Манро.

Такіх Мэрылін кіслотных кветак было выпушчана незлічоную колькасць. Мастацтва Уорхал паставіў на паток. Як і належыць у грамадстве спажывання.

Размаляваныя твары прыдуманыя Уорхалам не на пустым месцы. І зноў не абышлося без уплыву маці. У дзяцінстве падчас зацяжной хваробы сына яна цягала яму пачкамі размалёўкі.

Гэтае дзіцячае захапленне перарасло ў тое, што стала яго візітнай карткай і зрабіла яго казачна багатым.

Ён размалёўваў не толькі поп-зорак, але і шэдэўры папярэднікаў. Дасталася і «Венеры» Батычэлі.

«Венер», як і Мэрылін было зроблена нямала. Эксклюзіўнасць твора мастацтва «сцёртая» Уорхалам у парашок. Навошта мастак гэта рабіў?

Каб папулярызаваць старых шэдэўраў? Ці, наадварот, паспрабаваць іх абясцэніць? Абяссмерціць поп-зорак? Ці заправіць смерць іроніяй?

Яго размаляваныя працы Мадоны, Элвіса Прэслі ці Леніна часам больш вядомыя, чым першапачатковыя фота.

А вось шэдэўры наўрад ці ўдалося зацямніць. Усё роўна першародная "Венера" ​​застаецца неацэннай.

Уорхал быў заўзятым тусоўшчыкам, прыцягваючы да сябе масу маргіналаў. Наркаманы, няўдалыя акцёры ці проста неўраўнаважаныя асобы. Адна з якіх аднойчы стрэліла ў яго.

Уорхал выжыў. Але праз 20 гадоў з-за наступстваў некалі перанесенага ранення, памёр у адзіноце ў сваёй кватэры.

Плавільны кацёл ЗША

Нягледзячы на ​​кароткую гісторыю амерыканскага мастацтва, дыяпазон атрымаўся шырачэнны. Сярод амерыканскіх мастакоў ёсць і імпрэсіяністы (Сарджэнт), і магічныя рэалісты (Уайет), і абстрактныя экспрэсіяністы (Полак), і пачынальнікі поп-арта (Уорхал).

Што ж, амерыканцы кахаюць волю выбару ва ўсім. Сотні канфесій. Сотні нацый. Сотні напрамкаў мастацтва. На тое ён і плавільны кацёл Злучаных Штатаў Амерыкі.

*Таналізм - манахромныя пейзажы шэрых, блакітных ці карычневых адценняў, калі малюнак знаходзіцца нібы ў тумане. Таналізм лічыцца адгалінаваннем імпрэсіянізму, бо перадае ўражанне мастака ад убачанага.

***

Каментары іншых чытачоў глядзіце ніжэй. Яны часта з'яўляюцца добрым дадаткам да артыкула. Яшчэ вы можаце падзяліцца сваім меркаваннем аб карціне і мастаку, а таксама задаць пытанне аўтару.

Англамоўная версія артыкула